Form und Wert
Form und Wert zu kombinieren, um eine gute Komposition zu schaffen
Die meisten Menschen sind sich einig, dass Tonwerte in einem Gemälde wichtig sind, aber interessanterweise fällt es vielen Menschen schwer, dieses Verständnis in ihrer eigenen Arbeit anzuwenden.
Die Kluft zwischen Theorie und Praxis ist immer eine Hürde, besonders im Aquarellbereich, wo Fehler nicht so leicht korrigiert werden können; Kompromisse sind ein Teil fast jedes Gemäldes. Ich dachte, dass ich dieses neue Kapitel beginnen würde, indem ich hineinschaue
was Tonwerte sind, warum sie in einem Gemälde so wichtig sind und vielleicht noch wichtiger, wie Sie Ihr Verständnis dafür verbessern können, wie Sie Werte in einem Gemälde verwenden, um eine gute Komposition und eine starke Wirkung zu erzielen.
Was sind Tonwerte?
Zunächst möchte ich festhalten, dass ich mich, wenn ich von Tonwerten spreche, auf deren Verwendung innerhalb eines Gemäldes beziehe. Tonwerte gehören natürlich zum Alltag und umgeben uns ständig, aber es gibt einen großen Unterschied zwischen der Realität und einem Gemälde.
Ein Gemälde entsteht auf einer 2-dimensionalen Oberfläche, es gibt keine Tiefe oder Raum, es gibt kein Licht oder Schatten, es gibt keine atmosphärischen Einflüsse wie Nebel, Dunst, Hitze… Ein Gemälde ist eine Reihe von Illusionen, die durch das Auftragen und Auftragen entstehen Manipulation der Farbe und zu einem großen Teil das Ergebnis einer Vielzahl gut gewählter Tonwerte. Was genau sind Tonwerte? Tonwerte sind Abstufungen der Intensität einer Farbe von hell nach dunkel. Die Werteskala beginnt mit Weiß und endet damit, dass der dunkelste Dunkelwert theoretisch Schwarz ist. In der Malerei wird häufig ein Skalenwertbereich von 11 verwendet: 0 steht für Schwarz und 10 für Weiß, wobei die unterschiedlichen Abstufungen zwischen den beiden durchlaufen werden.
wofür sind sie?
Tonwerte werden in einem Gemälde verwendet, um eine Illusion von Licht, Atmosphäre, Tiefe und Volumen zu erzeugen. Aufgrund äußerer Faktoren, wie z. B. Änderungen der Beleuchtung oder der atmosphärischen Bedingungen, scheint die Farbe eines Objekts zu schwanken, und diese Änderungen werden
Bestimmen Sie die Atmosphäre, die das Thema umgibt. Z.B. Ein sehr sonniger Tag erzeugt starke Tonwertkontraste, kräftige Farben und scharfe Kanten, wohingegen genau das gleiche Motiv, beispielsweise am frühen Morgen, aufgrund unterschiedlicher klimatischer Bedingungen, schwacher Beleuchtung und möglicherweise einer nebligen Atmosphäre kaum wiederzuerkennen ist die Malerei als geringer Tonwertumfang, gedämpfte Farbigkeit und weiche Kanten. Mein Tipp: Um eine glaubwürdige Atmosphäre zu malen, ist es wichtig, sich ein klares Bild von dem zu machen, was man erreichen möchte, den Tonwertbereich zu wählen, der zur jeweiligen Atmosphäre passt, und sich dann bis zum Ende des Bildes daran zu halten! Um ein Gemälde zu schaffen, bei dem Licht, Raum und Atmosphäre im gesamten Gemälde überzeugend und kohärent sind, muss der Künstler die Tonwerte jedes Motivs innerhalb des Gemäldes berücksichtigen, um plausible Volumen, Form und Textur zu schaffen und auch die Logik zu respektieren des Lichts, des Raums und der Atmosphäre, die für das Gemälde gewählt wurden. Versuchen Sie sich ein traditionelles Gemälde ohne Licht und Schatten vorzustellen, ohne Tiefe oder Volumen, es funktioniert nicht. Wir können uns ein abstraktes oder modernes Gemälde ohne Tiefe oder Licht vorstellen, aber in der Welt der traditionellen Kunst bedeutet dies eine Katastrophe!
Tonwerte in Aquarell
Aquarellfarben haben eine einzigartige Qualität: Abgestufte Werte einer Farbe werden erzielt, indem dickes deckendes Pigment verwendet wird, um den dunkelsten Dunkelwert der Farbe (Massstone) zu erreichen, oder mit Wasser verdünnt wird, um die helleren Werte zu erhalten. In der Ölmalerei werden Tönungen (Werte heller als die Körperfarbe) durch Hinzufügen von Weiß zur Körperfarbe und Töne (Werte dunkler als die Körperfarbe) durch Hinzufügen von Schwarz zur Körperfarbe erzielt. Auch das geht in Aquarell, meine weiße Tube ist ein wichtiger Bestandteil meiner Palette. Wenn Sie Ihren Farben Weiß hinzufügen, erhalten Sie eine ganz neue Farbpalette. Jede Farbe hat ihren eigenen maximalen Dunkelwert, unverdünnt erscheinen einige Farben wie Phthalo Green Blue Shade (PG7) oder Winsor Violet (Dioxazine) (PV23) nahezu schwarz, während andere Farben wie die Cadmiums oder Cobalts sogar einen viel helleren Tonwert haben in ihrem undurchsichtigsten Zustand. Jede Farbe hat ihren eigenen Tonwertbereich. Um das gesamte Spektrum der Tonwertleiter transparent und fließend zu malen, ist es wichtig zu verstehen, welche Farben am besten für saubere dunkle Waschungen geeignet sind und welche am besten vermieden werden sollten. Je dunkler das Pigment ist, wenn es unverdünnt ist, desto besser ist es, eine dunkle Waschung zu erzeugen. Es ist interessant festzustellen, dass abgesehen von Braun und Schwarz alle anderen Farben, die unverdünnt von Natur aus einen dunklen Wert haben, einen sehr transparenten Charakter haben und so leicht große transparente Dunkeltöne erzeugen. Ich schlage vor, dass Sie die Farbkarte der von Ihnen verwendeten Aquarellmarke zur Hand haben, da jede Farbe auf der Karte in einer abgestuften Waschung von ihrem dunkelsten Dunkel bis zu einem mittleren Wert erscheinen sollte, sodass Sie sehr leicht erkennen können, welche Farben von Natur aus dunkle Werte haben.
Die Farbverschiebung verstehen
Jeder Aquarellist weiß, dass sich das Aussehen frisch aufgetragener Wasserfarben beim Trocknen verändert. Einige Farben ändern sich leicht und einige andere Farben ändern sich auf spektakuläre Weise. Wir alle haben die Täuschung durchgemacht, eine schöne tiefdunkle Waschung aufzutragen, nur um sie zu einem stumpfen Mittelwert trocken zu finden. Der Unterschied zwischen der nassen Farbe und der trockenen Farbe wird als „Trocknungsverschiebung“ bezeichnet. Die Trocknungsschicht ist etwas, das Sie lernen, während Sie gehen, durch Versuch und Irrtum, Frustration und übermäßigen Haarausfall! Oder Sie können dieses viel zu undokumentierte Thema in einem speziellen technischen Bericht über die „Trockenschicht“ auf Seite 72 von „The Complete
Book of Watercolour“ (verfügbar unter: https://fr.divertistore.com – Geben Sie 1641 in die Suchleiste ein).
Tonwerte, Farbe und Form: das Verhältnis
Tonwerte können nicht ohne Form oder Farbe existieren und umgekehrt kann Farbe nicht ohne Tonwerte und Form existieren und schließlich kann Form nicht ohne Tonwerte und Farbe existieren. Form und Tonwerte hingegen benötigen nur eine Farbe. Denken Sie nur an ein monochromes Gemälde, bei dem sich Werte und Formen ändern, aber nur eine Farbe verwendet wird. Das Gegenteil funktioniert in der traditionellen Malerei jedoch nicht: Eine Malerei mit einer Vielzahl von Farben und Formen, aber nur einem Tonwert, ist sehr schwer zu verstehen. Obwohl die Beziehung zwischen Tonwerten, Farbe und Form sehr eng ist, liegt es auf der Hand, dass die Beziehung zwischen Tonwerten und Formen gegenüber der Farbe priorisiert werden muss. Farbe ist ein sehr mächtiges Werkzeug, um Emotionen hinzuzufügen und die Atmosphäre in einem Gemälde zu verbessern, aber sie ist kein wesentliches Werkzeug in der Struktur des Gemäldes. Davon zeugt jede gute monochrome Malerei. Daher ist es meiner Meinung nach wichtiger, das Verhältnis zwischen Tonwerten und Formen richtig hinzubekommen und an der Farbe zu arbeiten, wenn man sich mit den anderen beiden wohl genug fühlt. Es ist äußerst schwierig, sich gleichzeitig auf Farbe und Werte zu konzentrieren. Sobald Ihnen die Tonwerte zur zweiten Natur geworden sind, bringen Sie langsam eine Farbe nach der anderen ein. Sobald ein Gemälde zwei oder mehr Farben enthält, muss sich die Grundüberlegung des Künstlers anpassen. Das ist der schwierige Teil: die Frage „Ist meine Form dunkel oder hell genug?“ reicht nicht mehr. Der Künstler muss sich bei jedem Strich folgende Fragen stellen: „Ist meine Form dunkel oder hell genug? Ist meine Farbe warm oder kühl genug? Ist meine Farbe hell oder matt genug?“. Jede Form erfordert nun drei verschiedene Antworten, um zu wissen, was angewendet werden muss, um die besten Ergebnisse zu erzielen, und das ist etwas gewöhnungsbedürftig und wird am besten Schritt für Schritt erreicht.
Kombinieren Sie Form und Wert, um eine gute Komposition zu schaffen
Ob Punkt, Strich oder Linie, jede auf das Papier gesetzte Markierung nimmt eine Form an. Einige Formen sind figurativ und andere abstrakt. Einige Formen repräsentieren die Objekte im Gemälde, einige Formen repräsentieren die Räume zwischen ihnen. Das Wort „Form“ umfasst alle Massen innerhalb des Gemäldes; klein oder groß, einfach oder komplex und das ist erst der Anfang! Formen sind wunderbare Werkzeuge, eines meiner Favoriten, da sie nicht nur einzelne Einheiten sind, sondern auch eine wichtige Rolle bei der Gestaltung des Designs eines Gemäldes und damit seiner Gesamtwirkung spielen. Künstler, die Tonwerte und Formen zu ihrem Vorteil nutzen können, haben einen klaren Kopf.
Erste Ebene: das Design, das große Ganze
Hier kommen nur die großen Massen ins Spiel und hier sollten Sie versuchen, kraftvoll zu wirken. Ein Gemälde sollte sich in etwa 2 oder 3 große Formen unterteilen lassen, die durch einen dominanten Wert (entweder heller, mittlerer oder dunkler Wert, je nach Ihrer ursprünglichen Idee) ästhetisch miteinander verbunden werden sollten. Das Design des Gemäldes ist am besten aus einer Entfernung von etwa 3 oder 5 Metern zu sehen, je nach Größe des Gemäldes. Diese Entfernung stellt sicher, dass nur die großen Massen gesehen werden, da alles andere einfach zu klein ist, um gesehen zu werden. Ein starker Kontrast in den Tonwerten zwischen diesen zwei oder drei Formen verstärkt die Wirkung des Gemäldes.
Zweite Ebene: Kennenlernen des Themas
Aus einer Entfernung von etwa 2 oder 3 Metern sollten wir in der Lage sein, die Zwischenmassen in der Komposition zu sehen und eine Vorstellung vom Inhalt des Gemäldes zu bekommen. Um eine starke Wirkung zu gewährleisten, sollten die tonalen Kontraste in diesen Formen schwächer sein als in der ersten Ebene des Gemäldes, da sonst beim Betrachten des Gemäldes aus der Ferne die stärkeren Kontraste dominieren und die Form der größeren Massen wird mit seiner Wirkung verloren. Hier spielen Tonwerte eine wichtige Rolle, um den Blick des Betrachters um das Gemälde herum zu lenken, von Bereich zu Bereich, wie der Künstler es auswählt. Subtilität ist der Schlüssel, da das Subjekt jetzt scheinbar eine wichtigere Rolle als die Masse einnehmen sollte. Da es in diesem Teil der Komposition mehr mittelgroße Formen gibt, ist es sehr wichtig, einen gemeinsamen Tonwert zu verwenden, um Formen zu verbinden oder zumindest Formen auszugleichen.
Dritte Ebene: sich in den Details verlieren
Aus nächster Nähe, hier möchten Sie die feineren Details eines Gemäldes sehen. Es gibt nichts Schlimmeres als starke, überwältigende Details, die alle leichteren Formen (und damit auch die Komposition!) übertönen. Sie schweben einfach auf dem Papier herum und lenken das Auge ab. Detail sollte die Kirsche sein, nicht der Kuchen. Achten Sie darauf, dass Ihre Formen und Werte ähnlich behandelt werden: Verringern Sie den Tonwertkontrast und schwächen Sie die Kanten der Formen ab und verstärken Sie in anderen Bereichen die Tonwertkontraste und schärfen Sie die Kanten. Stellen Sie sich Tonwerte und Formen als Laurel und Hardy Ihres Gemäldes vor und Sie werden viel Spaß damit haben!